El artista

The artist

Director: Michel Hazanavicius.

Actores: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman, James Cromwell, Penelope Ann Miller.

Origen y año: Francia, Bélgica 2011.

ATP. 100'. Fecha Est. Bs.As: 16/02/12

El cine sigue avanzando, y nos lleva hacia la fecha de la entrega de los premios Oscar 2012. Como el año pasado, otra vez estas premiaciones nos ponen como favorita una película que salió a último momento y que sorprendió gratamente a los votantes de la Academia (promedio 62 se imaginaran). Así es, El artista es una película sobre el cine mudo, en blanco y negro, con una música horrenda y carteles para ir "entendiendo" el panorama. Como El discurso del rey (eso, un discurso, una puesta en escena de teatro, dos personajes sentados en un sillón con la cámara de perfil, hablando como si tuviesen al espectador detrás en vivo, por lo general, las películas que se aplauden de pie). Mas allá de lo imbancable que es la película y de la formulita del director -por que para ganar el premio mas importante del cine, hay que hacer una película sobre el cine y sobre la historia, todavía lloro cuando pienso en Sin lugar para los débiles, película que no me gusta, pero que la pido cien veces antes que esto-, El artista es muy obvia y es choronga, al actor se lo ve en crisis y le llega su mujer -Bérénice Bejo, es argentina, es linda y no tiene tetas por la antigüedad, mas choronga imposible-. Allá aquellos que se enamoraron con la música, allá ellos que lloraron por nada -¿serán los que vivieron la creación del cine y los que festejaron por el sonido en el cine, y ahora se quieren matar por que ven a un pobre actor de rodillas?-, allá ellos que creen que esta clase de películas debe ser premiada -por lo menos que gane Hugo Cabret, la pucha-. Lo dijeron y lo confirmo, El artista es como Cantando bajo la lluvia pero sin color, sin buena música, sin paraíso, sin casi nada. El artista es una soberana cagada, en el mejor de los sentidos que finaliza con los actores mudos hablando, como si el perro no pudiese ladrar -ah, hay un perro-.

Los descendientes

The descendants

Director: Alexander Payne.

Actores: George Clooney, Shailene Woodley, Amara Miller, Nick Krause, Patricia Hastie, Beau Bridges.

Origen y año: Estados Unidos 2011

115'. SAM 13. Fecha Est. Bs. As: 02/02/12

En el film se vuelve a poner de moda el Mal de Alzheimer, luego de compartir junto a 50/50 otra enfermedad secundaria, ya que luego, en la de Levine, la enfermedad principal era el Cáncer. Acá no hay una enfermedad, hay un accidente, y hay un misterio no muy misterioso. Lo importante no es saber si la madre va a morir o no, por que, incluso a la media hora de la película ya lo sabemos. No es la típica película que les guste a los amantes del suspenso, si no, una película para ver sin demasiado nervio. George Clooney, está genial y actúa con todo el cuerpo, se mueve con una de esas remeras hawaianas y en la escena mas lograda sale a dar la vuelta en una curva para ir a la casa de sus amigos, lo increíble es que en todo ese recorrido nunca para para descansar, si no que corre y se le ven los ojos de agotado. Justamente, ésta tiene otra particularidad con 50/50, y es que otra vez volvemos a tener, además de su protagonista, personajes secundarios grandiosos y muy bien logrados, como la hija de Clooney (Woodley, no sé de donde sacaron semejante y hermosa actriz) y el novio de ésta (Krause, pelo corto y pecho inflado, chistoso). Lo cierto, es que la historia cae en un estilo de costumbres familiares, y es allí donde los personajes deben poner todo de sí mismo, poco importa que la historia se trate de una familia de Hawai y no mucho vale lo que el personaje de Clooney dice al principio, como algo así: "Algunos creen que vivir en Hawai es lo mas". Allí, el personaje se equivoca, por que una vez acabada casi toda la película, podemos ver al padre y a sus hijas mirando la tele mientras comen helado, no hay una sonrisa en esa escena, pero tampoco hay una lágrima, todo parece pasar por un momento, por una vida nueva. No se trata de una "historia triste", se trata de una historia que acompaña a la otra, se trata de un viaje divertido y lleno de arena, se define por sobre todas las cosas, como una comedia dramática, y sí, no es un drama cómico.

J. Edgar

J. Edgar

Director: Clint Eastwood

Actores: Leonardo Di Caprio, Naomi Watts, Armie Hammer.

Origen y año: Estados Unidos 2011.

134'. SAM 13. Fecha Est. Bs.As: 26/01/12

Eastwood, Gran Torino: El mas genial, él es su propio protagonista. No sé por que digo "genial", si en realidad no es la palabra justa. Él es un norteamericano metido en un lugar al que no le teme por su pasado, testigo de problemas vecinales. En ésta película se luce en su mayor papel, donde no hace otra cosa que dejarnos boquiabierta con su terrible final, de esos que lo transforman en héroe. Su capacidad para contar el relato, es lento, casi muy lento, pero necesario, dulce y muy rico. Te va llevando hacia ese final, con algunos sobresaltos de por medio, se va enamorando --puaj, si los héroes no se enamoran- de ese chico y le enseña a vivir, lo va convirtiendo en hombre y le da clases de moral hasta verlo crecer.

Eastwood, Invictus: Vuelve a mostrar otro héroe, vuelve a convertir a su protagonista en el sello de su cine, de su maestría, construye una película de un deporte al cual vemos poco en el cine. Sí, acá yo podré decir, que de Rugby, la que mas me gusta es Invictus, por que en todo su desarrollo, hasta el juego sale bien filmado. Es el golpe de manos entre Mandela y el capitán sudafricano.

Eastwood, Mas allá de la vida: ¿Habrá pasado algo en la vida de Clint para que empiece a filmar películas sobre la muerte?. Deja las armas, deja sus héroes, para darle vida a esta historia que tiene escenas de obra maestra (el curso de la cocina, el amor por el arte, la esperanza de descubrir algo nuevo), un relato bello (Lonegan comiendo sólo en su casa), y la esperanza de que la muerte sólo nos roba la vida. Consagración de un Eastwood melancólico.

Eastwood, J. Edgar: Vuelve a la muerte, esta vez se despacha con el relato del tipo mas poderoso del FBI, del que sabe todo y sobre todos. Sobre el mentiroso, un relato fuerte e inteligente, que se mueve bien por derecha y por izquierda, que contiene diálogos exquisitos, pero que queda en el medio de sus anteriores filmaciones. Eastwood parece abandonar definitivamente todo para contar una historia que parece no ser más que otra. Se equivoca en una clave importante ya que el tipo este es un personaje soberbio, pero a Di Caprio el Hoover le sale muy dulce -mas allá de su homosexualidad-, con ese lunar precioso que tiene abajo del ojo. Aunque se descubre la gran actuación de Armie Hammer. No, J. Edgar no es una mala película, pero por momentos tiene partes de eso que se llamaba antes como un "bodrio". Mas allá de todo, mas allá de la vida, Eastwood demuestra nuevamente que es grande, creando un personaje fabuloso y demostrando que sus protagonistas están siempre incrustados de su huella, que su cine siempre será polémico y del que se podrá hablar con cuanto amor uno siente por la pantalla grande. Eastwood ha dado cátedra nuevamente, aunque no esté del todo convencido.

Norberto apenas tarde

Norberto apenas tarde

Director: Daniel Hendler

Actores: César Troncoso, Eugenia Guerty, Fernando Amaral, Roberto Suarez.
Origen y año: Uruguay, Argentina 2010.
SAM 13. 85'. Fecha. Est. Bs.As: 05/01/12




Norberto ve como en una especie de camarín grupal del teatro, dos compañeras se deciden a subir para salir a escena. Él, aguarda y lo último que hace, es mirarse al espejo sacando a relucir la mejor escena de todas y la mejor imágen, como si fuera una especie de Gauna en Los paranoicos. Sin saber quién es, se da cuenta de que está puesto a prueba y que sus primeras dos palabras arriba del escenario -delante del público- son la confirmación de un tipo que no es actor y que le falta mucho para lograrlo, pero a su vez, también es un guiño clavado de que cualquiera puede ser artista en este mundo, y que incluso todos los somos en alguna especialidad. Con "algo" de Los guantos mágicos, muchos de los momentos de este tipo pasan arriba de su auto, en el cual nunca descubre el problema de la alarma, en el cual escucha música, en donde guarda su análisis y con quien da todos los días la misma vuelta por la misma esquina. La vida de Norberto, está marcada por horarios, y ni siquiera el curso lo hace mover de sus costumbres y alejarlo a un ambiente que él no prefiere pero en el que debe convivir para aguantarse la angustia de no decirle a su mujer que lo echaron de su anterior trabajo. Su apariencia es la de un gordo tímido, pero que tiene un león adentro, no hay risa alguna en él, salvo cuando aparece una noche de pizzas y birras. Norberto, pide oxígeno, necesita un buen chiste para un grupo de compañeros en una ronda post ensayo, necesita desprenderse rápido de algo que no sabe qué es, necesita mostrarse mas acompañado -les dije que era parecida en algunos aspectos a Los paranoicos-. Norberto es el mismo del título, el de la inmobiliaria, "el mendigo", el que se enamora del teatro de casualidad, el que se enamora gracias a él, a través de las personas y maestros. Hendler da clases de maestría en el cine, en su opera prima, como una maravillosa pinturita del cine uruguayo luego de La vida útil. Hendler va dando pasos y va mostrando acciones en su actor principal, lo mueve como una ficha pero nunca lo abandona y decora su alrededor con objetos sentimentales importante: un cuadro, una banqueta roja, el propio auto. Pero, el peor momento del film (por eso es creciente) es al principio, cuando la historia se trata de un tipo que es despedido del laburo, mientras el espectador espera una continuidad y ve a Norberto, quién es un personaje que se mueve con una libertad pocas veces vista en el cine -Preciosa es un caso, aunque ésta le erra por aburrida y por carecer de ideas- Así, Norber saca pecho al preparar un nuevo personaje y se despacha con un escupitazo en el piso, dejando una vez mas otra imagen en su crecimiento . Norberto estalla con el mejor porro del cine nacional y Hendler se equivoca al alargar un final que tendría que haber culminado con el veterano del grupo arriba de una mesa festejando y borracho, en boxer y bailando, bailando y moviendo los dos dedos índices hacia arriba. Con un final así, mas enorme y mas pensado hubiese sido una película extraordinaria, aunque por ahora es un triunfo del arte, del protagonista y de sus chiquilines.

Secretos de estado

The ides of March

Director: George Clooney.

Actores: Ryan Gosling, George Clooney, Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Evan Rachel Wood, Marisa Tomei.

Origen y año: Estados Unidos 2011.

101'. SAM 13. Fecha Est. Bs.As: 19/01/12

The ides or March es inteligente y recta, muy formal. A veces, ser esas tres cosas puede resultar tan malo como positivo. Dirige George Clooney con otras películas respetables y vuelve a caer sobre las salas un clima canchero y un tanto agrandado. En esta no hay rico olor a perfume como lo había en Amor sin escalas, si no que se siente una pequeña brisa dada a el clima cerrado que se vive en la película. Ah, es sobre la política, y, ah... pisa el palito. De lo que se habla de "política" es pura pavada y de lo que no se habla de política, es cuando hay un amor que se enfiesta con tele prendida y muchos futuros presidentes hablando ¿Quiénes son estos tipos?. Una película de guión corto y con un ¿problema? principal mas escrito que realizado, con un Gosling -pichón de Clooney- que se levanta de la cama sin ningún pelito parado y que se baña con las camisas mas caras. Y otra vez cae por tratar sobre un tema serio -bue, serio- y transformar a Marisa Tomei en la chica que no queremos ver, haberle sacado su frescura. Pero es para pensar, Clooney -oh, Sr. Presidente- dice cien palabras en un discurso que se podría denominar como extrabanal, y para noticias hogareñas también nos cuenta durante toda su aburrida película algo que ya nos enrostraron -y engañaron- varias veces: los políticos son todos unos forros. Ponete a correr en maya viejo George.

50/50

50/50

Director: Jonathan Levine.

Actores: Joseph Gordon-Levitt, Seth Rogen, Anna Kendrick, Bryce Dallas Howard, Anjelica Huston.

Origen y año: Estados Unidos 2011.

100' SAM 13. Fecha Est. Bs.As: 05/01/12

Elogio al gordo. Esta vez el gordo es el mejor amigo del protagonista. Este tipo con forma de dinosaurio capaz de sacar a relucir su voz más grave mientras hace gestos de dolor con la cara. Pero ese grito lo tiene incorporado para otras sorpresas, como un chiste, como el haber visto a una hermosa mina o simplemente por que es gordito y le gusta mostrar su pancita. Ese gordito ahora se le ríe a la muerte o la usa para formar la mejor comedia del universo. Seguramente con todo esto dicho, cualquiera podría darse cuenta de que estoy hablando del gran Seth Rogen (Gran, por enorme en todo aspecto). Y muchos deben saber que este tipo le da felicidad, alegría y avance al cine, que demuestra que con un chiste y una historia de amistad, el cine está cumplido. Y Rogen con muchos (bah, no sé cuantos exactamente) años menos, le pega una cachetada a Iñarritu, le da clases de lo que es el crecimiento en el cine, de lo que es la imagen en movimiento y le da clases de choques de autos. Muchos podrán decir ¿Por que él y no Gordon-Levitt o el director? Fácilmente por que él pertenece a la Nueva comedia Americana -¿Cuál es la vieja carajo?- junto con otros que hacen un cine distinto sin necesidad de apelar a golpes, ni a explicaciones dentro de una película con temas rebuscados. Bien... ¿Qué es 50/50? Mucho, muchísimo de Seth Rogen y mucho sobre la amistad y el amor. Una película en contra de las explicaciones (Pensar que Joseph estuvo en El origen), que lo deja bien en claro cuando Adam deja de hablar sobre su enfermedad y prefiere evitarlo hasta en su madre "que siempre se está preocupando". Y en toda esas volteretas, lo mejor del film es que es divertido, siempre (o casi) afronta sus problemas con una buena frase o con una simple sonrisa, y mucha, mucha valentía. Esta es una llegada esperada, queríamos una película que se cage en la muerte en el mayor sentido, queríamos una película que valla al frente y con ese final donde a uno se le pone la piel de gallina. Es por ello, que cuando Adam (Gordon-Levitt) se ve frito, no le queda otra que fumarse un buen porro y dejar todo atrás, y el personaje de Rogen jamás olvidará aquellos momentos donde usaba el Cáncer de su amigo para levantarse minas en los boliches y en la librería. Y 50/50 es mas sincera que Hazme reír, y a esta altura parece no haber caído en la obviedad de la muerte del protagonista, y es mas recta y le encanta tirarse a la pileta desde un trampolín y no desde el borde -aunque las dos son arriesgadas-. Hablando de piletas, el gordo del que hablaba al principio y en casi sobre todo el texto, se prepara para tirarse de bomba y sacar todo el agua, o para agarrar un buen coche y poner la música a todo volumen. Y me permito no hablar del Cáncer, y hablar sobre personajes grandioso y un título que no explica nada, una película hermosísísíma y un "caso fascinante".

Las acacias

Las acacias
Director: Pablo Giorgelli.
Actores: Germán de Silva, Hebe Duarte, Nayra Calle Mamani.
Origen y año: Argentina, España 2011.
82'. ATP. Fecha Estreno Bs.As: 24/11/11




(1) Premiada en Cannes -Y sí, seamos sinceros, o son todos brutos, o las películas en Cannes se ven mejor, pero me pongo a pensar ¿Ver una película malísima cambia de un lugar a otro? Está bien, si vemos una que nos gustó y comparandola con otro lugar nos encantó o no nos hubiese gustado tanto. Pero decir que El árbol de la vida en Cannes fue gloriosa, es absurdo. Hay quienes dicen que Medianoche en París, la última de Allen también lo fue, cuando la vea, opino-, Las acacias llega a la Argentina como una película paraguaya y argentina, y no tanto española. Parece una película guaraní o algo así, o una película de "las rutas argentinas" de esas donde por ahora no se vive el acoso de un asesino norteamericano en busca de sangre. Sí, este film salió de Cannes victorioso, y aquí opina alguien que le gustó, pero no le parece demasiado para ser premiada -ojo, hay que ver las otras que pasaron-.

(2) En Las acacias, se siente el frío -el día que la vi hacía un calor terrible, estaba de remerita, y en el Gaumont pusieron aire acondicionado y me estaba cagando de frío, tal como los personajes-, se siente la molestia de 'uy me tengo que despertar temprano', demasiado poco, demasiado mucho, empieza con "el trabajo" para ir hacia el viaje que tendrá un destino largo ¿Para que sirve una película de un viaje de punta a punta si yo me fui de vacaciones en Micro hasta Salta?, y lo que pasa es que en este film hay amor y personajes a los que se le cree todo. Hay una historia, unos primeros quince minutos donde ninguno dice nada a nadie y es la beba quien une esos dos lazos que sólo separa un cuarto de asiento.

(3) Realmente me pregunto, ahora que estoy escribiendo ¿Por que me gustó esta película? Todavía no lo desifro, pero sé que es una película que disfrute -mucho mas que Vaquero, película de un actor, al que con todo eso debería haber disfrutao mucho mas por el tema- y es una película sobre la búsqueda de una identidad -o sea, ninguno de los protagonistas saben que quieren ni tampoco saben para que estan, por lo menos lo demuestran en sus diálogos-, por que uno es duro y callado, pero puede ser bueno, y la otra es dulce y amorosa, pero puede ser mala. Uno antes de partir, come, se baña, duerme y luego agarra el camión para hacer su viaje. La otra, en una parada comiendo un asado se pone a hablar con un paraguayo vecino. Es una película nula desde cierto punto, pero que termina siendo totalmente positiva con ese final de "¡Vamos me anime carajo!", pero que igual no conforma.

(4) Así es, Las acacias recuerda al temor de despertarse temprano, de escuchar a los pajaritos, de ver a los árboles verdes siendo soplados por el viento, y luego, cuando pasa un buen rato, recién estamos almorzando en una mesa de campo, a punto de volver a entrar en el viaje. Unos chizitos, unas galletitas, no estan mal para este viaje y para esta película, que le falta un poco de identidad, pero que aclara que no le falta mucho para encontrarla.

Sobre Shara

Shara
Directora: Naomi Kawase.
Actores: Kohei Fukungaga, Yuka Hyyoudo, Naomi Kawase.
Origen y año: Japón 2003.
100'. Sam 13.



(1) Shara es como exagerada y lenta. En realidad, Shara tiene sus momentos de felicidad hacia el final cuando un niño está por nacer y hace desaparecer la tristeza por el otro, o por lo menos eso es lo que dice la sinópsis. ¿Si un niño está desaparecido, la llegada de otro, hará poner de mayor felicidad a la familia? es obvio que la felicidad llegará, pero no absoluta.

(2) Hay una exageración o exceso de formalidades en Shara, como pasa en Morrer como um homem. Hay además mucha realidad, no hay nada que no podamos creer, pero así, el film nunca avanza y se pierde en la banalidad de esos japoneses mirando hacia el vacío, hacia esos paisajes caídos y con arboles llorando como si el film fuera oscuro y muy visto.

(3) Shara, a su vez es una excelente película, pero que pierde muchísimo, por eso, por su aburrimiento y desinterés en el espectador, con su poco diálogo, y que no avanza mas allá de esa primer gran escena donde los dos niños empiezan a correr por una Japón. Después... ¿Qué mas hay?.

Habemus Papa

Habemus Papa / Habemus Papam
Director: Nanni Moretti.
Actores: Michel Piccoli, Nanni Moretti, Jerzy Stuhr, Renato Scarpa, Franco Grazioni, Camillo Milli, Roberto Nobile, Margherita Buy.
Origen y año: Italia, Francia 2011.
Duración: 102 minutos. ATP
Estreno en Buenos Aires: 08 de Septiembre 2011.



Inteligencia debida
Relato catastrófico, lento pero hermoso, y lleno de amores. ¡Hay un encierro, los papas no pueden mantener contacto con el exterior!. Los papas piden a Dios un "ruega por nosotros" por la muerte del último papa y todo parece ser una búsqueda, una película de esas en las que una perosna, absolutamente una, hace que todos sus personajes secundarios no piensen mas que en ella, hace que esto se transforme en una película biográfica, en un unipersonal, una película sobre alguien, bah, mejor, una película sobre alguien interesante metido en un mundo bastante raro de conocer, pero Moretti, director, inteligente, hombre entre hombres, italiano de barba candado y con cara de "quedense tranquilos, voy por mas, no es mi último film". Bah, Moretti es rápido y un gran director, uno de los mejores en Europa, ¿del mundo? no no sé, no quiero hablar globalmente sobre directores en esta Tierra, quizás exista el planeta Marte, quizás exista un papa por la calle, como en esta película.

Comparando con Lynch
La diferencia de esta película con una de Lynch es que acá es todo real, y el personaje en vez de soñar y ver cosas a través de los sueños, piensa y todo lo que ve pasa por sus ojos. Pero, Moretti como Lynch se anima a pensar, y le da la espalda a los sueños, para meterse en la realidad. En realidad, parece algo así como un torneo de competencia, por que lo de Lynch es grandioso, ya que todo pasa por la cabeza del espectador "Nos parece una huevada a mi y a mi marido eso de tener que andar contando una historia a través del sueño de una persona, para eso es lo mismo que me muestren a esa durmiendo, con la cabeza en la almohada y que esté ahí las dos horas y media que este tipo nos mete en Imperio". ¿A la gente no le interesan los sueños? ¿Ah, los sueños no son parte de la realidad?, por que en Lynch, los sueños son como el trabajo de reflexión de una persona, aunque uno sobre el final se da cuenta, de que por ahí esa misma persona se levanta sobre un futuro, y se da cuenta de que todo era un sueño. Lo que menos le falta al cine de Lynch es realismo, por que todo es tan creíble y lineal, como lo es en el cine de Moretti, como lo era en La stanza del figlio. Ahí tenemos el ejemplo de lo aburrido que está el psicoanalista (el propio Moretti), por que todo esto es realidad, de los "boludos" que son los cardenales que se piensan que el papa está en su habitación comiendo chocolates. Hablando de la comparación con Lynch, lo que mas lo refleja es el sentimiento del papa "¿Es miedo? ¿Es angustia? ¿Es depresión?", es lo que explica perfectamente la sinópsis. "¿Y si todo esto es un sueño?" diría Lynch.

Modernidades
"¡no me digas que el papa está en un shopping, señores nuestro futuro papa está en el shopping", "Ey, ustedes, nuestro papa está acá". Nadie en el Vaticano ni en la Italia, se imagina que el viejo ese que acaba de pasar por al lado suyo mientras miraban unas zapatillas nike es el futuro papa, nadie debe creer que el viejo de anoche que iba hablando sólo en el colectivo, en apenas unas horas estará dando un discurso. El papa dice ser "actor", pero unas escenas después dice que es mentira, que no lo es, pero que siempre le gustó, todo eso, la actuación, junto con el teatro (otra comparación con Lynch, con Mullholland Drive, excelente película, en la escena de la ópera donde van las dos chicas). Se escapa para no sé, para pensar su decisión y cuando todo el mundo lo aplaude -en los primeros geniales quince minutos- por haber sido elegido, a uno se le pone la piel de gallina, pero mira la cara del futuro papa y uno no sabe si es emoción o cara de asustado. El papa "móvil" va a parar a la ciudad -genial inteligencia cómica del director, como hace poco lo hacía De Caravana con el secuestro de la Mona Jimenez-, va a parar a diversos lugares, a un mundo que ni siquiera él sabe donde está, pero ya volverá, por que sabe que en algún momento lo irán a buscar.

Agarrá la pelota que no muerde
"Pero nosotros los de Oceanía somos tres -Um, bueno lo lamento", mas con la modernidad que otra cosa, Habemus Papa habla del mundial de Fútbol y de lo que sería en la actualidad El Vaticano, y el psicoanalista de lo aburrido que está y de que no le dejan usar su celular, se arma un torneo de volley, que de mucho no sirve para calmar la ansiedad pero si para hacer pasar un buen rato a los viejos, quienes, es cierto, son malos y no agarran una, pero la pelota playera verde roja y blanca es el ícono de que el film es moderno, inteligente, divertido y sólido, sin baches ni actuaciones al filo. "¿Hay que ser gracioso para no tener una actuación al borde?" se preguntan algunos, y, es una respuesta difícil de responder, pero no se crean, que todos los chistes son buenos en las películas, acá la mayoría o todos, son efectivos. "Punto para Europa B" "¿Y si hacemos un equipo de Italia directamente -Um, no así está bien". Moretti cascarrabias.

El final
De repente nuestro papa es encontrado en el teatro y allí los actores empiezan a preocuparse de por que tante gente estaba ingresando, hasta que salta la estrella como si fuera el salvador, y hace aplaudir a todos, pero mas que a nadie, al Papa, quién le llega la hora, y despierta de su sueño para entrar en la realidad y afrontar la responsabilidad de su vida, la primera. El papa, llega hasta su lugar, y se encuentra a todo esa gente que lo estaba esperando ¿che, encerio, tanta gente estaba esperando este momento? ¿Tantos fieles están allí esperando la elección de un nuevo Papa?. Se ve una bandera de Argentina, otra de Libia, y el papa da la cara de una vez por todas, y como la contracara de El discurso del rey, el papa no se hace el héroe y no esconde su vida al contárselo a un loco, el film no está tan calculado y no hace falta al personaje al filo del quiebre. Acá al papa le sale todo mal, piensa, no habla y con el silencio habla mucho, le grita a la gente, y allá está en el balcón. Al papa no le hace falta un psicoanalista y es simplemente una excusa para ver que carajo pueden hacer los cardenales antes de que el papa se recupere, y además es una gran excusa para ponerle a este film el toque de modernidad que Moretti le aporta. El final, con esa música de fin del mundo, es un botellazo de agua en la cara tremebundo.

¡Viva el papa, viva el psicoanalista!

Y me opongo a aquellos que dicen "El viajecito del papa es una excusa para que la película tenga su duración exacta", queriendo decir que no importa, y de lo que Moretti habla es simplemente una película sobre un papa. A Habemus papam no le hace falta hablar de religión, ni de Dios, ni de política, como tampoco lo hace Red Social con Facebook, por ejemplo. Es una película de un papa, de un problema, autobiográfica, una calco manía de un tipo (Piccoli era el ideal perfecto para encarnar este papel) que quedará en la historia de tantos rostros. Toda esa experiencia que el papa vive afuera del Vaticano, es una modernidad, como si fuera un Lynch sin sueños, pero como el propio director hace con sus pinturas, las arma como no sabiendo si es realidad o solo un sueño, aunque los dos pertenezcan a este mundo. El psicoanalista sólo les tira la pelota de Volley y haber quien se salva de los de Cannes. Moretti es engañoso, La habitación del hijo lo era, y para ello, no hace falta empezar a hablar de como está el Vaticano y sobre lo que hay allí dentro, por que Moretti habla mas bien de una genialidad, no hay profundidad alguna para estar en contra de una película tan genial y tan divertida como esta, que sobre todas las cosas, nos muestra como es el mundo de hoy, como está la cultura mundial, y allí están los cardenales tirándose al piso y a Mercedes Sosa cantando, como si Moretti nos frenara, perdón, nos dejará pasar y dejar llendo hacia el futuro. Moretti ha hecho ruido en la Iglesia.

El estudiante (Ultima parte)

El estudiante

Santiago Mitre. Argentina 2011


Consagración, comparación, reflexión

El film invita a recorrer varias pistas de paseo y a acordarse de varios films que no son argentinos. La película es muy completa, tiene diversas escenas que ayudan a que el espectador se sienta sincero con sigo mismo, y además escapa de toda banalidad posible. Si nos acordamos, Heat de Mann fue una de las películas de la cual hable hace poco, al que escribí rápido y no tuve mas remedio que escapar a un monton de cosas mas que tenía por decir de la película. El final de El estudiante es como el final de Heat, pero sin armas de fuego, y con dos tipos sentados tomando mate. Un tipo (el experimentado, el sabio, el que por mas que pierda, se levanta rápido y vuelve a idear un plan, ese que el film nos hace creer que es invencible, ese es Acevedo) y el otro tipo (El pibe, el que está a punto de transformar una charla entre dos personas en una conversación única que sólo ellos serán testigos, el que está aprendiendo y acaba de valorar algo muy importante, y lo está haciendo cumplir ante un monosílabo peligroso, pero tan valiente como la película misma, ese es Roque, vuelvo a decirlo, un Lamothe espectacular, tanto como Romina Paula y los otros actores). El final de Heat es diferente, ninguno de los dos está tomando mate ni negociando nada, si no que va mas al punto, uno es oficial y quiere matar al delincuente, y por mas que sea contra la ley, tiene que hacerlo, por que sino este delincuente seguirá haciendo de las suyas, a lo igual que en Enemigos públicos, también de Mann, pero un poco (mucho) mas polémica y aburrida. Esos dos tipos son Al Pacino y Robert de Niro "¿¡Los dos juntos cara a cara?!, ésta era la película en la que trabajaban ellos dos juntos, uno contra otro, de la cual no me acordaba, mi amor". Estos dos tipos son Esteban Lamothe y Ricardo Felix -que si lo buscan por Google por nombre y apellido y nada mas, no les salta ni una foto del tipo, es mas, sale un chino que ni sé quién es-. Hay mucha diferencia entre un par y otro par, pero lo cierto es que, a la hora de entrar en batalla, los cuatro estan de igual forma experimentados como para que cualquiera pueda ganar la batalla. Lo cierto, es que en ninguna de las dos gana ninguno. En la de Mann, finalmente De Niro muere, y Al pacino lo mata, pero el segundo tiene que lidiar con tantos muertos que dejó el primero. En la de Mitre, uno no puede adivinar el futuro de Roque y Acevedo, aunque sí, imaginárselo. Si uno piensa, El estudiante no necesita de pistolas, escopetas y rifles, aunque Heat sí, por que sino, no sería de Mann. Finalmente uno termina de ver el film y no puede imaginarse que el film es malo, si no que tiene todas las bases para decir que es una obra maestra y un lujo tenerla en nuestro cine, aunque su no participación como candidata en los Oscar sea una lástima, dejando entrar a Aballay. "El cine no es aquél que te aleja de la realidad, sino el que te aferra aún mas a ella". Sobre el final "El cine no es un pedazo de vida, es un trozo de pastel". El estudiante es una película que abre muchas puertas, es fuerte y es valiente, orgullosa y encara sus desafíos con lo mejor que tiene.

El estudiante (Tercera parte)

El estudiante

Santiago Mitre. Argentina 2011

Algunas preguntas (resueltas, o no tanto)

(a) ¿El héroe o el ejemplo universal difunde la traición, o será que es sólo parte del aprendizaje del personaje mientras construye su camino derivando todo en ese "no" final ante un Acevedo, político experimentado que parece tener todo bajo la manga hasta ahí? O sea, mas allá de lo que "será", mi pregunta sigue siendo si, el héroe difunde la traición, sí la hace conocer para que los demás sean conscientes de esto. En realidad, ¿el héroe no es callado?, pero para saber esto primero hay que saber si Roque realmente es un héroe o si es un pichón a punto de meterse en un mundo de cabecillas. Pero con eso, vuelvo a hacerme la misma pregunta, quizás esto sea parte del aprendizaje de un pibe a punto de convertirse en un sabio, o, convertirse en una persona inteligente. Lo que acá vale la discusión también es ¿Por qué a Roque le salta la moral justo sobre el final? ¿Mitre querrá convertir en una obra maestra a su película, teniendo un final "histórico" o "único"?.

(b) ¿Es una película apolítica? Pregunto esto sin entender muy bien su significado. Digo: la palabra política es una palabra muy global, muy extensa que no se puede entender desde todos sus puntos, hay algunos que creen que la política sólo se entiende desde el punto donde uno mas sabe sobre esa palabra. ¿El estudiante demuestra falta de interés hacia la política? Puede ser que el film, sea una historia de amor, de crecimiento y de valientes, pero en fin es una película política, por que todo el mundo que rodea a Roque no es mas que el uso de movimientos de cámara con carteles de apoyo de fondo, con banderas, etc. Para pensar "Los políticos son todos iguales", "la política me da lo mismo" frases de Roque, haciendo uso de la palabra política, por mas que no quiera. "Política" palabra complicada para la película, palabra importante para el film.

(c) ¿Es engañosa la película? Por que con el uso de estas últimas frases, uno se pregunta de donde sale esa moral de Roque. Pregunto si lo hace por amor, por su agrupación, por pasión, por maduración o sólo para devolver una traición, por que "la política es así" ¿Así como?: "Son todos chorros, corruptos, se quieren llevar la guita, piensan sólo en ellos, se garcan en la gente, no valorizan nada", ¿Así? "NO" o ¿"SI"?. Bueno, y acá resuelvo la pregunta (a): Roque difunde la traición por que busca lo mejor para su agrupación y por qué está aprendiendo a convivir en ese mundo y cuando el final llega se nota un cambio en el personaje, un cambio total, tanto moral como físico ¿Estoy loco?. Se nota un cambio personal, como si el pibe dejase las minas para un segundo plano y se metiera de fondo en lo que es la vida de la política de los asados, de los debates y de los "¡me pica la nariz mientras estan dando un discurso!, me rasco para hacerme el serio". Esto es como si en ese final el alumno se come al maestro, ¿maestro? ¿Eso es un maestro? ¿El que traiciona? Eso no es un héroe. ¿Y el que difunde la traición? Ya lo explicamos, lo hace por que es una película de crecimiento, aunque suene mal, es así. El estudiante hace algo que ninguna otra película te hace: Pensar, querer escribir, debatir, armas, construir, desarmar para volver a construir, como la propia película, como Memento pero sin tanta soberbia y con mas libertad y Cerveza en los boliches. El estudiante te hace pensar tanto, aunque todavía no me resolví la respuesta (b), aclarando que la pregunta (c) era una escusa para resolver la primera.

El estudiante (Segunda parte)

El estudiante

Santiago Mitre. Argentina 2011

En contra de otros estrenos argentinos

El estudiante le dijo que "no" al trámite previo por el INCAA y esto lo bloqueó de alguna forma con el espectador. No "Bloqueó" sino, que lo alejó, como si los otros estrenos tomaran ventaja en la pista y lo sacaran a barrer, como si fuera en Cars pero sin amistad. Estos bloques fueron los tanques argentinos -"Tanques", esos son los de Hollywood, esos son los reyes de la taquilla-. A que llamo "tanque argentino": película con una figura en la tapa, película argentina cómica o en su déficit película que ganó un Oscar, por que sino nadie la ve ¿vio?. Este año pasó la clara muestra de "figura" y "fondo": Figura=Darín/el amigo del chino; fondo=la película. Acá gana la figura, por que Darín es un actorazo, aunque en este film queda claro que no hace mas que putear y putear, como un tipo del conurbano a punto de estallar cuando un cliente se queja de los tornillos. Darín la rompe, o no tanto, pero la película ex-extremadamente vacía en sí, típico barullo argentino, chistes "clásicos" !¿Clásicos?!, y el amargado chino que no sabe ni decir hola en español, pero dice caca y está cagando en el baño cuando te levantas a las dos de la madrugada. La gente prefirió esa película con claro, cierta muestra de otros cines que la proyectaban y del triunfo del actor, que ha hecho... Bueno, ¿hace falta aclarar lo gran actor que es Darín?. La otra, que no apela al bodrio, pero si a la estupidez y al mal cine es Mi primera boda, título poco original, horrible y despachatado, como la anterior película del director, Cara de queso. Digo, para estos no apelar al bodrio es tener todo ganado, por que, en definitiva "mientras que la gente no se aburra" por ahí para ellos está todo ganado. Es una comedia, en fin, con muchísimos errores, comos los tenía Sin retorno, aunque ésta era mucho mas pop y dinámica. En Mi primera boda no alcanza el chiste del porro para levantar, no alcanza dibujar con una carita feliz a los personajes y el cuento de "¡al novio se le perdió el anillo!" no se los cree nadie, bue, sí, aquellos espectadores que eligieron ésta sobre aquella -ojo, esto no está mal, pero sólo quiero decir que es de lo que se alimenta el espectador, el cine que a mi me gusta es el de un guión bien construido, el cine que te da pasión, que te hace salir contento de una sala, que te hace pensar en... el propio cine como único artista de todo esto-. Entonces el público no cree en nuestro cine, o, peor, no quiere creer. Se escuchan espectadores y periodistas decir, "La gente no va a ver cine argentino por que es malo", por dios!, el cine argentino ha crecido un monton en los últimos años y ha sabido demostrar que puede como cualquier otro. Como el cine norteamericano, el argentino también entrega producciones nulas, fallidas, muy fallidas y poco convencionales, pero también entrega grandes éxitos y película sobre la enseñanza y sobre la vida, y algunos hacen obras maestras, como ocurre en El estudiante.

El estudiante (Primera parte)

El estudiante. Director: Santiago Mitre. Actores: Esteban Lamothe, Romina Paula, Ricardo Felix, Valeria Correa. Origen y año: Argentina 2011. Duración: 110 minutos. Apta mayores de 16 años. Estreno en Buenos Aires: 01 de Septiembre 2011. Puntaje: 10 (diez)

Allá vamos

Cuando emprendí mi aventura hacia el Cinema city General paz de Belgrano -uno de los pocos cines donde la proyectan, luego de haber pasado por el Malba y por la Sala lugones-, me acordaba de cuando fue la primera vez en sentir este título y en ver su primera imágen. Al principo algo del BAFICI me hizo confundir, y pensaba que era mexicana -no sé por qué-. Sabía que muchos medios la tildaban de "la revelación del festival". Bueno, al tener esta denominación supe mas sobre la misma y pude entrar mas en contacto con algunas críticas y demás. Incluso por esos momentos se hablaba de un "estreno comercial", el cual lo esperaba ansiosamente; además de ser mas cubierta por algunos medios y de tener mas debate en algunos otros sectores. Llegó su estreno, tapa de varias revistas cinematográficas, máxima cobertura por internet y recomendación por diarios, radios, televisión, etc. Sólo un loco y un fervoroso puede ir pensanso arriba del Subte de la línea D sobre una película que está a punto de ver, por que, incluso, cualquier salida de un espectador común se transforma en cualquier otro tipo de charla, pero los amantes del cine, no hacen otra cosa que hablar de cine directamente desde arriba del subte. Digo "loco" por mi locura y mi pasión sobre el cine, sabiendo que no iba a ver una película mas, si no que iba a ver una película extremadamente esperada, y que sin tanta cobertura por parte de muchos otros "locos", estos primeros renglones no hubieran existido, por que, en definitiva, no iba a ir a ver El estudiante. No la hubiese visto, no por falta de interés, si no, por que sin el mensaje, no hubiese recibido mucho entusiasmo y hubiese preferido ver cualquier cosa. Bueno, adentro del cine, veía afiches de varias películas, algunas película sin estrenar, y bueno, me llegaba la hora de entrar y emprender "la máxima potencia del cine argentina 2011" como decían algunos. Cuando apareció la cara de Lamothe en el film, ya había empezado una gran película.

Sobre Rocky Balboa

Rocky Balboa
Director: Sylvester Stallone.
Actores: Sylvester Stallone, Burt Young, Antonio Tarver, Geraldine Hughes, Milo Ventimiglia, Tony Burton.
Origen y año: Estados Unidos 2006.
Duración: 102 minutos. Apta mayores de 13 años.
Calificación: Muy Buena.

1. Rocky, es una leyenda para el cine, ya desde hace rato. Stallone, en esta película ya es viejo, se lo dice su propio hijo, quién le pide que lo respete a él con tanta fama que la imágen de su padre tiene. Este le explica sobre la vida, y algo que le dijo a su madre en su nacimiento "este será el mejor", todo esto, nos hace pensar que Rocky no ha muerto, por que sigue viviendo. Esta Rocky, es mas una película biográfica, -no lo es, "es mas"-, sobre un Rocky, que sigue siendo el mismo desde hace tiempo, pero ahora, tiene un restaurant, habla sobre sus peleas con sus clientes y le da trabajo a la gente, además de hacerse amigo de un perro.

2. Acostumbrados a ver a Rocky, esta es una película sobre la vida de un hombre que está en el mejor momento de su vida, pero no oculta sus ganas de volver a lo que lo vió crecer: el boxeo. Pero, además, Rocky es el ejemplo de varias películas que intentan contar una historia sobre la vida de un tipo en la intimidad, y no constantemente metido en su profesión. El relato de "Roco" sobre su vida del restaurant al barrio con sus amigos es genial, no hay falsedad, no hay mentiras, hay problemas para Rocky, pero ningun tipo de "búsqueda problemática".

3. Quizás, esta crítica, me haga entender de por qué no me gusta El ganador de Russell. Hay un problema en El ganador, que es algo marcado: en realidad, la historia comienza sobre los comienzos de la vida de boxeador de Micky Ward, y acá Rocky ya está viejo, ya es una leyenda, ya es un tipo experimentado con la fama intacta. Micky Ward es un tipo que está aprendiendo, y el relato se expande hacia su vida intima. Pero, lo peor de ésta película, es que, si comparamos con la primera Rocky, es totalmente carente de emoción, floja, con un relato lento, con escenas sin sentido y con algunos giros innecesarios -ah, y personajes de poca atribución-. Además, obviamente, de ser un telefilm que comercializa cualquier tipo de canal de boxeo. En realidad, este Micky Ward es contado por un Mark Wahlberg sin sonrisa, con una historia "fuerte" detrás, y con un hermano que nunca llegó hacia el triunfo y por eso le enseña a Micky.

4. Rocky Balboa, te emociona con solo volver a escuchar su música, y no importa la diferencia de emoción con las anteriores -algunos, dirán "Buaah, ésta Rocky es una cagada"-, el tema es que Stallone no quiere contarnos lo mismo que antes, no quiere ir por la misma ruta, y elige una biografía de un boxeador, que ahora, disfruta de sus amigos y de sus platos, pero que, necesita volver a revivir ese momento, y ahí terminará arriba del ring, y la gente empieza a aplaudirlo, como en sus momentos de fuego.

Sobre Two Lovers

Los amantes / Two lovers

Director: James Gray.

Actores: Joaquin Phoenix, Vinessa Shaw, Gwyneth Paltrow, Isabella Rosellini, Moni Moshonov, Elias Koteas.

Origen y año: Estados Unidos 2008.

Duración: 110 minutos. Apta mayores de 16 años.

Calificación: Muy buena.

1. Algunos dicen que el film, marca la despedida de Phoenix como actor. Basada en la novela Noches blancas todo empieza de color gris, con un intento de suicidio, aunque hay alguien que nos advierte que ese intento de suicidarse no es el primero. Quién intenta suicidarse, es claro, es el personaje de Phoenix: Leonard. Leonard tendrá un problema, luego de la ruptura con su mujer, la familia lo quiere acercar a Sandra, la hija del socio del padre de Leonard. Este, bipolar como lo definen los padres, se sentirá muy atraído por Michelle, una vecina suya rubia con problemas emocionales. Principalmente, lo que el film nos quiere mostrar, es que es una película dramática, y que primero de todo, está la vida del personaje, y luego está el romance. Two Lovers desencadena en la profunda cabeza de Leonard, sabiendo que piensa, que hace y cual será su final.

2. Los amantes es una película de amor, de reencuentro, de esperanza y con mucha luz. Es una película oscura, con focos y agujeros donde el sol se arrima. En el momento del suicidio, se escucha un latido de corazón, y en cuanto Leonard se tira al agua, se empiezan a escuchar las burbujas. No hay acción después, si no, una película, un drama convertido en una paranoia de un personaje que intenta salir a como sea de una vida que mucho no le importa. Leonard trabaja con su padre, no disfruta de lo que hace, no parece tener fanatismo por nada ni tampoco usa camperas nuevas ni buenas. Leonard parece estar sumergido en el agua y parece salir una y otra vez, como cuando Sandra le pregunta si es él quién la llamo, y que muchos hombres gustan de ella.

3. Cuando ví Los amantes, no pare de disfrutarla, por que es una película que te lleva en constante momento y mantiene un suspenso hasta el final. Pero, en la vida de Leonard siempre hay un costado gris, un costado oscuro que lo tapará de la felicidad. Leonard busca algo para su vida, y les gusta las fotos pero no está obsesionado con ese trabajo. Leonard es un muchacho sin monta, hasta podríamos decir entre comillas que practicamente no tiene una vida. Los amantes es eso, una película dramática, con un personaje que se apoya en dos mujeres como para buscarle un objetivo y un rumbo a su felicidad, ya que con los padres no parece tener demasiado diálogo.

4. La película terminará con ese final inmenso, con Leonard entregando un anillo a una de las mujeres -adivinar cual es es un misterio que al espectador le gusta, pero lo que la película parece querer demostrar es en que terminará Leonard y en quién apoyará su futuro-, y una última escena de su madre apoyándolo a un viaje con la mujer que el parece estar mas atraído. Leonard, finalmente se termina quedando con la mujer que mas lo quería y con la que mas deseaba ayudarlo.

Sobre La mujer sin cabeza

La mujer sin cabeza

Directora: Lucrecia Martel.

Actores: María Onetto, Claudia Cantero, César Bordón, Daniel Genoud, Guillermo Arengo, Inés Efron.

Origen y año: Argentina, Italia, España, Francia 2008.

Duración: 87 minutos. Apta mayores de 13 años.

Calificación: Regular

1. La película arranca con tres chicos corriendo en la Salta de Martel. Un pibe corre para un lado y va hacia otro, y hace la misma rotación hasta volver al mismo lado. Detrás de este, hay un perro que ladra como queriendo jugar. Martel relata cuentos hermosos, paisajes brillantes e historias argentinas importantes, de esas dramáticas que hacen pensar al espectador. Pero, en esta película, el espectador no hará trabajar mucho su cabeza y se identificará con el título de la película, por lo menos, las señoras espectadoras.

2. La mujer sin cabeza, fue muy maltratada por los espectadores argentinos. Hay quienes tildaron a Lucrecia Martel de acomodada en la crítica por ser "la niña mimada" del INCAA. La mujer sin cabeza no puede ser mala, por que tiene a María Onetto, una actriz genial, que trabaja de ella, -típica frase repetida, pero es muy cierta-. María Onetto parece mostrarse como lo es en la vida. En Rompecabezas se lució con su personaje de mamá canchera y de mujer apasionada por sus intereses, por sus sueños, cosa que su esposo y su hijo parecen no entenderla, pero la apoyan. María Onetto parece tener una relación con su compañero de rompecabezas, y así como el típico cine argentino, siempre queda Stand by, en nada, como si llegara a su casa y se fuera a dormir.

3. La película en sí muestra un misterio, muestra una historia, pero el problema es que carece de timing y se va nublando la historia hasta dejar de importarnos lo que pasa con el personaje. La película nos quiere mostrar que la protagonista no usa su cabeza (escena a la mitad de la película, un diálogo en el auto -¿Y, a donde te dejo, acá en la esquina o en la puerta? -Bueno, quién pregunta mira a esa mujer con cara de "che, pero no me respondiste". Cabe aclarar que ese es ni mas ni menos que el esposo de la protagonista). En fin, sabemos algo, que esta mujer atropelló a alguien en un momento de distracción, que todo parece estar bien, cuando se sabe lo del perro, pero cuando se empieza a hablar sobre una muerte, todos vuelven a temblar.

4. La película jamás muere donde empieza, y por momentos empezamos a dejar de creer en la historia, por culpa de los cambios de look del personaje de Onetto. De fondo se puede ver la Salta de Martel, los paisajes esos "hermosos" y como hablan sus habitantes, que se come, como si todo esto fuera un recorrido turístico que nos mete de lleno la historia de una mujer que está preocupada, pero que terminará como empezó, como si nada hubiera pasado. Muy polémica.

Sobre Los Paranoicos

Los paranoicos Director: Gabriel Medina. Actores: Daniel Hendler, Jazmín Stuart, Martín Feldman, Miguel Dedovich, Walter Yekob. Origen y año: Argentina 2008. Duración: 102 minutos. Apta mayores de 13 años C/R

Estreno en Buenos Aires: 23 de Octubre 2008.

Puntuación: 8 (ocho) - 4/5

Esta es ni mas ni menos que la historia de un director/actor. Es la historia de un payaso, que, significa, la historia de un tipo que anima fiestas, por que, en sí, no le queda otra. Está escribiendo un guión, aunque, enrealidad, no lo está haciendo, por que no puede, por que tiene muchas preocupaciones. Paranoico, es alguien, que está siempre preocupado, que está (vive) así. Hay una película dentro de la misma, que tiene el mismo título, y es la que su amigo Manuel, le quiere dedicar a él, a este tipo, que se llama Luciano Gauna. Y bien, ésta es la historia de Gauna (Daniel Hendler).

Gauna es un tipo capaz de abrir los ojos, un tipo al que la invitación de gente a su casa, no es mas que un alboroto y una pérdida de tiempo. Saca temas para hablar, por que no sabe que decir y no quiere quedar mal con nadie, aunque tampoco mucho le importa. Respira, y va hacia el supermercado a decirle al chino que el vino estaba picado. El chino le dice loco, y ahí Gauna hace una pausa como pensando lo que el chino le quería decir, pero saca todo eso y le vuelve a gritar "loco vó, loco vó". Agarra furioso, se roba un vino, y luego le tira los otros picados sobre el local. Luego otro chino, lo tilda de "cobarde". Bueno, Gauna, como pocos directores y quienes escriben un guión, está en su mundo.

1. Gauna es un boludo, Gauna es un boludo, se escucha, y un golpe en la puerta, pam. "Queremos ver al no sé qué" le dice la vieja caliente. Y al rato, Gauna, el boludo, se revienta a la vieja, se duerme y llega a la casa en puntitas de pie, y sí, Gauna es un re contra boludo. Para para ¿Quién es Gauna? y bueno, es una pregunta, que él, se pregunta constantemente pero que está buscando una respuesta, una sencilla vuelta para darse cuenta de su verdadera identificación: Gauna es un tipo muy difícil de digerir. Gauna es esto: siete veces el mismo nombre en este párrafo. Gauna es un tipo que mucho no le interesa agarrar su jueguito, pero cuando lo agarra, te aplasta, Gauna es un nerd, un tipo cerrado, un problemático, es un boludo, re contra boludo. Bah, Gauna ni siquiera se molesta con su término, él es boludo, por que quiere serlo y no le importa. Y él es boludo, por que morirá boludo, pero aunque sea es vivo.

2. A Gauna no le gusta Sofía (Jazmín Stuart), o por lo menos eso pensamos. Pero, quizás sí le gusta, pero no nos damos cuenta, por que él es en cantidades cerrado. Le convida un porro, y al hacerlo, cierra las ventanas de la casa y prende un sahumerio, por que le tiene cagaso al portero, que lo trata de "imbécil". Gauna y Sofía hacen una dupla genial, que no hace falta formarla. Gauna es uno, y Sofía es otra, ambos no se parecen en nada, pero Sofía se va como olvidándose de algo, le preocupa Gauna, aunque claro, un tipo así queda demostrado que no es mas que un tipo poco interesante. Gauna es como un pancho sin papas ni mayonesa, bien clásico, bien amargo, bien simple, (clásico, simple y amargo, no son lo mismo, uno puede ser clásico y ser abierto).

3. Principalmente, Los paranoicos es una película que hace reír a Sofía. Y es una película que, ella se olvida y Gauna la encuentra al dejar su bolso en esa casa. Los Paranoicos tiene como principal muñeco a un bicho raro, feo pero divertido, y así es Gauna, divertido pero en el fondo. Gauna, está escribiendo un guión -además de todo eso, Los Paranoicos, es como un gran colegio de cine-, pero le lleva a la productora una sinópsis que no le sirve de nada. Gauna está escribiendo un guión, pero no. No sabemos si es un actor o un director consagrado. Sabemos que Gauna es un tipo metido en su vida, y por ello, le encanta escribir y crear historias, le encanta abrirse ante su Notebook y le encanta al estar satisfecho con lo que está haciendo, levantarse y empezar a correr por toda la casa, le encanta llegar tirar todo en el sillón, poner música y empezar a bailar, moverse, como nunca antes puede si no es solo.

4. Y Finalmente, Los Paranoicos, es una historia de amor cerrada. Es, una historia de aprendizaje, y nunca ve forzada a los actores con el correr de la película. El film te va llevando como si fuera una obra linda y encuadrada. No creo que sea una comedia, e incluso, creo que tiene sus toques, pero no es mas que una historia amarga y desenfrenada que solo toma una calma con el chiste de un "cobarde" que sale de la boca de un chino -película que toma a los chinos no como arte de lo gracioso, si no como arte de una historia, allá Un cuento chino, ¿comedia?-. Los Paranoicos es una película que identifica al tipo solitario, al tipo que está en su propia vida, al tipo que tiene que soportar que su mejor amigo lleve gente a su casa, por que este es ni mas ni menos que propietario del departamento. Gauna lo único que hace es ir a bares y escribir mientras toma algo. Pero, para ello, emprenderá una misión, que es la que Sofía intentará enseñarle, que es la de mirarla a los ojos. Gauna es un boludo, pero es un tremendo vivo.

Un aplauso aparte para el gran final, para las dos últimas secuencias. La del baile, donde él se suelta, baila y mira cara a cara a Sofía y en la cual aparece Manuel. Y la última, la que pregunta para que lado se fue, y al reencontrarse se mueren en una abrazo intenso. Allí, Gauna deja de ser el bicho violeta pelotudo, y se transforma en un hombre de cine, y en un hombre que al empezar la película da un golpe sin querer hacerlo, como todo en la vida pasa. Aguante Los paranoicos, la historia de amor, y la que no te hace reír, pero te hace comprenderla.

Carretera Perdida de David Lynch

Carretera perdida / Lost Highway
Director: David Lynch.
Intérpretes: Bill Pullman, Patricia Arquette, Michael Massee, Robert Blake, Henry Rollins, Leonard Termo.
Origen y año: Francia, Estados Unidos 1997.
Duración: 134 minutos. Apta mayores de 16 años.
Valoración: 4/5

Las lenguas dicen que el señor de los sueños, David Lynch, ni siquiera les explicó a los actores el significado de la película. Yo, como un gran intrigante, me pregunto como será vivir con el director. Loco, loco, loco como es, él y su película. Tenía entendido que Lynch era un director sobre los sueños, y además, que El origen es una pavada. Bah, sí, es una gran pavada de antemano. Lynch en Twitter no hace mas que publicar cosas sobre los sueños, él quiere explicar, una teoría que muchos se preguntan con una frase exacta y repetida ¿y si todo esto es un sueño?, no a ficción en sí, si no, la realidad, la vida. Lynch ha hecho en su mayoría, todas películas así, con ese terror detrás de todo, aunque quizás para el no exista el terror, o indirectamente se preocupe por saber el significado de esa palabra. ¿Qué es un hombre con una trompa de elefante en una tapa en blanco y negro? uno se podrá decir, y es horrible, y es medio terrorífico. Otros -me incluyo- se preguntan ¿para qué la gente paga la entrada para ver cosas que no les gustan? eso pasa con Imperio "En un momento hay una pausa, y una señora gorda de atrás se alegra y festeja, como agradeciendo a Dios que la película se había terminado, hasta que aparece otra cosa y enfurecida grita 'noo, noo, no me digas que sigue', y toda la sala se cagó de la risa". Lynch explica adentro de sus películas "¿Quién te va a llamar por teléfono y te va a decir 'hola mi amor' mas que tu marido? o me estas engañando?". Carretera perdida no tiene explicación, y por mas que suene muy "pasión por el fútbol", el cine de Lynch no se explica, si no que se siente. La cara del hombre misterioso que se para al lado de Fred en la fiesta, es típico de un cine negro, al que inmediatamente con voz desafiante le dice "llama a tu casa" y se escucha del otro lado del tubo. Inmediatamente la vida de Fred se cruza con la de Andy, pareciendose casi idéntica, con una mujer igual, con las imágenes del hotel, con la misma carretera donde inicia y termina la película. La sinópsis es una pavada y un golpe de box "un músico de Jazz, recibe cintas de video donde aparece él con su mujer, la última que recibe, aparecen él y su mujer muertos". Y Fred al final de la película recibe un mensaje por el interlocutor donde le dicen que un tipo ha muerto, así volviendo al inicio de la película. El cine de Lynch tiene esos climas pesados, de cine negro, de gente y actores donde a medida que pasa el tiempo uno nunca va creyendo, pero no por falta de ritmo y de guión o sobreactuación, si no por la astucia del director, por sus mundos, quizás, Lynch no sea inteligente y lo único que quiere es hablar de los sueños, esos que uno siempre sueña y los explica con todo sentimiento, esos que uno nunca sabe si los soño, hoy o ayer, y esos que con el paso del tiempo se van olvidando. ¿Quién es Fred, quién es Alice, quién es Andy?. ¿Lynch realmente existe o es sólo parte del sueño de nuestra vida?. Y una frase "Si con El camino de los sueños y con Carretera perdida, por ejemplo, querías ir y pegarle, con ésta (por Imperio) vas a contratar a un asesino a sueldo" Aguante Lynch!.

Sobre El club de la pelea

El club de la pelea / Fight Club
Director: David Fincher
Actores: Brad Pitt, Edward Norton, Helena Bonham Carter, Meat Loaf, Zach Greiner, Richmond Arquette, David Andrews.
Origen y año: Estados Unidos, Alemania 1999.
Duración: 139 minutos. Apta mayores de 18 años.

"Un alto porcentaje de la gente no quiere pelearse, es por eso, que cuando uno de nosotros valla a buscar pelea, estos no haran mas que calmar la situación", El Tyler Norton no lo dice así, pero quiere decir esto. Lo mas destacado de esta película, son sus movimientos de escenas, nunca pasa por los lugares comunes del género, ya que va desde un curso de cáncer de testículos, a un avión, a un edificio de esos caros, al club y a vivir en una mugre. Esta es la historia de Tyler Durden, quién la contará el narrador a través de la voz en off, que es ni mas ni menos que la voz de Edward Norton, un gigante actor, que con el paso del tiempo se viene cayendo, aunque cada aparición suya se festeja. En general, la histria es media densa y medio aburrida, pero la trama te va llevando hacia esa historia que nos deja preocupante. Faltando poco para que termine, el narrador dice "pausa, y sigue la película, la gente no sabe", como queriendo decir que nunca se sabe que es lo que quiere contar la historia, o hacia a donde va, o hacia que personaje quiere involucrar. El personaje de Brad Pitt es extremadamente logrado, haciendo de bobo en una mitad y de canchero y grandioso mas adelante, y es por eso que después se transformará en un alter ego, aunque no mucho podré decir. Aún así, El club de la pelea es una grandiosa película para ver en el cine, ya que en DVD mucha diversión y entusiasmo no muestra. Jamás se anima a mostrarle algo al espectador, y es por eso que todo el tiempo uno se está preguntando que pasa allí. A medida que va pasando el tiempo, nuevos personajes van a ir apareciendo, lo que transformará aún mayor la duda de hacia donde apunta el film; un film, que a la larga termina olvidandose y dejando muchos huecos sueltos. No hay que negar de que tiene un excelente guión y que Fincher aunque sea, muestra el camino perfecto. Pero, bah, El club de la pelea, es tan oscura y tan poco dramática, que uno se ríe con los personajes, y ya ni entiende como es eso de la quemadura en la mano ¿para que perder tanto tiempo? ¿Para que un Fincher que muestra "la negrada" dentro de una película sofisticada? ¿Para que una descripción y un comienzo tan absurdo como el del curso de cáncer de testículos?, claro, uno piensa y dice "Ah, las tetas de Bob, que gran personaje" y termina enamorándose de ese abrazo entre el tetón y el Tyler-Durden-Narrador-Edward-Norton.

El árbol de la vida

El árbol de la vida / The three of life
Director: Terrence Malick.
Actores: Brad Pitt, Sean Penn, Jessica Chastain, Tye Sheridan, Hunter McCracken, Laramie Eppler, Jessica Fuselier.
Origen y año: Estados Unidos 2011.
Duración: 139 minutos. Apta mayores de 13 años.
Estreno en Buenos Aires: 29 de Septiembre 2011.



Creo que lo aclaro en la mayoría de las películas, pero, el problema -el gran- es que en esta, no es el único -gran- conflicto que se elabora en este film. Primero en principal: no me gustan las películas confusas, no las difíciles (Memento), sino las confusas (El origen) donde hacen trabajar la cabeza del espectador a todo lo que da, y en un punto de transferencia, le hacen mesclar todo y todos. El problema es el del ejemplo de, si una persona está dolorida no hace falta que muestre la herida, si lo muestra una vez, está bien, pero si ya se clava eso en todo momento deja un balance totalmente absurdo. Si una persona está contenta por que se ganó entradas para ver un partido de Beisbol no hace falta que muestre la entrada, ya que con sólo ver su cara de felicidad alcanza. Este último sería un ejemplo mas directo, y quizás en la trama se haga importante, como pasaba en la torre eiffel en Mas allá de la vida, total símbolo de París. ¿Hace falta que Eastwood nos muestre desde la ventana ese símbolo para hacernos acordar que estamos en Francia?, es diferente por qué, creo que lo que Eastwood muestra es de calidad de la imágen y para cambiar de un lugar a otro, para decorar una escena que desde el principio, sabemos que morirá sin color.

Hablar de El árbol de la vida, cuesta. Cuesta mucho. No vi ninguna otra película de Malick, y al ver esta, creo que tampoco me preocupa ver La delgada línea roja. Hay un problema circunstancial en este film, que es el aburrimiento y la doble taradez en el relato. Esperaba hace rato ver la película, y con las primeras imágenes desde Cannes -además del premio- y de las grandes valoraciones, creía, que si se llegara a estrenar en Argentina, ibamos a estar ante uno de los mejores estrenos de este año. Pero, no, todo lo contrario, si no es el peor, es por que Harry decidió alargarse y por que hay una batalla en la historia de la guerra civil de España en Balada triste de Trompeta. Con esas primeras impresiones de "una familia del 50", creía que iba a estar ante una gran historia que elude muy bien sus mas de dos horas. Lo que Malick quiere mostrar, es simplemente, de que se murió, o quiere copiar en alguna forma el tipo de cine de Lynch, metiendonos en la cabeza una historia que se trata solamente de Dios.

La cámara es Dios, y los personajes son sus esclavos, la cámara no se para de mover y nos muestra todo lo que se vivie allí, todo lo que los chicos del pueblo hacen, como el papá malo, pero que quiere a sus hijos, y la mamá dulce y que le pide a su esposo que los deje en paz se las arreglan para ser felices en un pueblucho, como el último de los estrenos hace agua por sus cuatro puntas, como se hunde, como deja en vano todo toque de un director, que en boca de otros, parece haber sido un ex gran cineasta. Como, en general, la película que ganó La Palma de Oro en Cannes, no hace mas que tirar el premio y crear una sospecha sobre el mismo, no hace mas, que odiar a los Oscar y retribuírlo.

Quizás no sea adecuado en este tipo de textos, pero escribo acá lo que pienso sobre el mundo del cine, y tampoco me interesa hablar sobre otras cosas. Los críticos norteamericanos se quejan de todo, y creyendose los mejores críticos para criticar sus películas siempre les buscan el pelo al huevo. Hay bodriasos a los que los alagan fundamentalmente y con todo fervor escriben sin importarles un poco lo que nace de los video clubes, lo que, un viernes y un sábado a la noche se puede transformar en fiesta de pantalla chica con un DVD que brille a toda costa. ¿Les gustó El árbol de la vida? bueno sí, bah, les encanto, y también les gustó Biutiful, El discurso del rey, El ganador, Harry Potter y un monton mas de películas que en toda referencia no merecen mucha valoración, aunque a El ganador se le pueden salvar varias cosas. No les gusta Paul, Una esposa de mentira, Mas allá de la vida.

Bueno, lo que Malick quiere demostrar, además de tener dos horas de aburrimiento y una alta decepción, es una película boba-boluda-tonta, ¿religiosa?, ni siquiera busca eso, por que, lo que uno siente, es que le estan tomando el pelo, sobre todo, cuando uno ve unas luces y unos arboles y unas flores, y luego nos dicen que de ahí llegó el bebe. No es que sea original, si no que es tonta, es boluda, por que, a la hora de crear algo, se planta como "una experiencia aparte". ¿De que estamos hablando? El árbol de la vida es mala por donde se la mire, mala-mala-mala-mala y tan mala como la novela Malparida y como la doble personalidad de Juanita Viale, de mala actriz, y de personaje muy profundo y siniestro. Por que, en la película se esconde tanta oscuridad, que, hasta uno deja de creer en todo lo que está viendo, para agarrar el control de la DVD -uh! que suerte que tuve de verla en mi casa, dios mio! y adelantar de una vez por todas esa parte que no sólo no nos interesa, si no que, ni hace falta. En el cine ¿Para que queremos ver de donde viene un bebé? si nisiquiera eso nos va a poder responder. A eso me refería cuando decía, que varias películas hacen hablar de cine y hacen recordar el gusto de uno. Mirá, a mi me gusta Tarantino, me gusta Spielberg -con algo de respeto, pero desde cierto punto de vista-, me gusta Eastwood, me gusta Dugan, los Farrelly y Mottola en el mundo de la comedia. Me encanta Lumet, y admiro a Caetano. Algo de Cronenber me gusta, lo que hizo Scorsese está muy bien y Herzog es un grande de lo que hasta ahora pude ver. Todos ellos, han pasado por momentos malos, incluso creo que A prueba de muerte de Tarantino, no me gusta, pero tiene ese final grandioso, y él es un director que cree en el cine, y que es de chapa video club.

Sin vueltas, El árbol de la vida es mala, por todo lo contrario a lo que dije en los últimos párrafos a favor sobre otras películas. Primero, por que no cuenta un cuento, segundo, por que crea de sus personajes unos bichos poco creíbles. Tercero, por que su mundo es flojo, es oscuro, es sin vida, ¡y eso que habla de la vida y la muerte! Lo peor que le puede pasar a una película: hablar sobre la vida, y no tenerla, mostrar terror sin sentirlo, hacer llorar a sus actores sin ser reconocidos por el espectador. Y después hay gente que siente emoción por películas, pero que se quejan de que todo lo anterior no vale mucho la pena, como pasa en Gigantes de acero, y como quiero intentar creer que Rápidos y furiosos 5 me hace brillar de alegría y romper todo con ese final grandioso y esa canción tan genial y digna para el film como Danza Kuduro. Y creo, que lo peor que puede haber, es que una película me haga hablar bien de casi todos los estrenos de este año. ¿Para que carajo está Sean Penn ahí, para abrir una puerta y salir hacia el desierto? Así, mirá vos, las familias del '50 tenían a papá malo que quiere mucho a sus hijos, pero quieren que sean duros y que afronten la vida de lo mas valiente que puedan, prefiriendo eso, antes que amarlos. Eso que quiere el padre, es lo que hace Malick acá, prefiere "contar una historia nueva, hablar sobre el nacimiento y la muerte desde el fondo como nadie antes lo hizo, y hacer que el espectador viva -entre triple comillas- una experiencia nueva" antes que darle y brindarle diversión al espectador y una historia que sea destacada, y no mostrarnos el pie de un bebé para saber que papá Pitt malo está contento. El Pitt que queremos es el que aniquila Nazis y cree en el cine, el que cree y ama los sábados a la noche abajo de la sábana. Eso es a lo que me refería al principio, además de todo lo malo anterior encerrado en todos estos párrafos, ahí está la mamá diciendole a su hijo "mirá, allá arriba vive Dios" mientras le señala el cielo. Que huevada.